“Violent Delights features haunting shades of death, from anime, to animals in the natural world, to skeletal otherworldly visages floating and then receding into decay. Inspired in part by a sort of stream of consciousness Romeo & Juliet, this is a powerful examination of our fascination with violence, and how it pervades all aspects of culture, popular or otherwise. The splotches of watercolor or ink washes are dashed across the figures on the page, a perfect complement to the sensual and erotic nature of the figures, and the dangerous ideas laid on top of them. It’s an intoxicating combination that has a wide ranging impact, from love springing forth eternally to a planet torn asunder, as the Alphas and Omegas of existence. Hetamoe gives Mercutio his due, which is arguably the bard’s best creation, for his ability to see the context of the situation he’s in and cast aspersions on both of the proverbial houses, even if he’s aligned with one. As some of the text suggests, it’s easier to imagine the end of the world than the end of capitalism. “O Happy Dagger!” This is one of the very best comics I’ve read in a long while.”

“So while being half-comatose and mostly swimming in a flux made of pizzazz-devoted magazines like Tush!, L’Uomo, Antidote or Vogue, I ordered Violent Delights by Hetamoé from the mini kuš! series, because its dissident aggressor style of coloring/narrating unexpectedly appealed to me. In the meantime, having been drilled to read the storytelling simmering below those belts shown in fashion editorials, Hetamoé’s heavily experimental deconstruction of mass-compatible icons as Sailor Moon due to dragging her through a violently colorful mire – which the Latvian editors described as *subsemiotic* – and rooted in Romeo & Juliet by “some” unknown writer (an innuendo on the hordes of unrecognized ground workers in the anime and manga industry), caught my eye. A meta manga, my first crush following up the first five minutes after death, if you so will.”

“This is another one of those times where I’m tempted to just post the synopsis on the back of the comic and call it a day, but I shall resist! Instead I’ll make a fool out of myself trying to make sense of this thing that I’m still trying to put together in my head an hour after reading it. This is an examination of Romeo and Juliet, at least on a macro level. It’s really more of an examination of various quotes from the play, how they bring up imagery of popular culture and/or violence, combined with literary criticism and a call to raise the alarm about how many benchmarks of the ongoing climate crisis we’ve already passed. See? You try writing a review about something with that many layers, and oh by the way I’m leaving out several layers. It’s rare for a comic to feel this… homemade? Raw? Half-formed? No, those are all wrong. Images feel like they’re about to burst through the page at times, sometimes detritus is on pages and feels like it should be a 3D experience; I did find myself touching a page or two to confirm that they were flat. Yes, even though my brain was aware that this was a comic book. This is one of those things that’s going to stay on my nightstand for a few days so I can see what else I can pick up from it, but for review purposes I’ll just say that this was an utterly unique experience, and for people who are curious about how Shakespeare relates to the modern day, pick this up and you’ll find some example.”

“I’ve reviewed some pretty “far out” comics in my time — and some of the most “far out” have been part of the Mini Kus! line from Latvian publisher Kus! — but Portuguese cartoonist Hetamoe’s Violent Delights (which was just released last month as Mini Kus! #87) probably takes the cake as the most experimental, borderline-indescribable work I’ve ever tried to wrap my head around in full view of my readership. I won’t do you the disservice of saying that I’ve completely figured this one out yet, and to be honest I’m not sure that I ever will, but maybe that’s not even the point here. This is complex, challenging, at times even taxing stuff — and where it takes you, as well as how it gets you there, is going to vary a great deal from reader to reader. I’ll even go so far as to say that I’m not yet at the point where I can fairly determine whether I “like” this book or not — and frankly the question itself seems entirely irrelevant.

So why read it at all, then? That’s a natural enough question, and by way of answering, I’ll state for the record that Hetamoe does offer a central thesis worth exploring — I’m just undecided as to whether or not using Shakespeare’s Romeo And Juliet as a springboard for examining society’s propensity for inflicting violence on a mass scale is necessarily all that effective. There’s an anime-style opening sequence that keeps the violence interpersonal, and that registered with me quite strongly, but when we get to the midpoint of the comic and we’re seeing deliberately-obfuscated verses from The Bard juxtaposed with deliberately-obfuscated climate change statistics, we go right from first gear to third, right from “why are we so mean to each other?” to “we’re absolutely fucked” — and one can be forgiven for feeling a fair amount of whiplash.

That being said, Hetamoe does nothing if not keep you absolutely engaged in the proceedings. From esoteric symbolism to slap-dash “rough” cartooning to pixellated computer imagery to scientific graphs to Gothic script, there’s a frenetic energy to all of this, a sense that anything really does go — even if it’s utilized in service of a premise that posits that eveyrthing is already as good as gone. Which brings us to nihilism, I suppose, but I think that’s either too reductive or, even worse, just a cop-out.

I’m not entirely comfortable saying that Hetamoe advances the notion that creativity is the way out of our death spiral, so don’t hold me to that as a hard-and-fast opinion, but it certainly seems like that might be the message here. Or one of the messages, at any rate. It’s not stated clearly enough to rise above some of the visual “noise” in this comic on a first pass through it, but that’s immaterial; you know before you’re finished reading this that you’re going to have no choice but to go though it multiple times before you can even begin the process of forming something like a coherent reaction to it. And trust me when I say that’s not likely to be a terribly straightforward process, either. Nothing here is.

No harm in that, of course — quite the reverse. Comics that make you think — hell, comics that make you work — are kind of our bread and butter around these parts. But in this case, be prepared for that work day not to end. If that sounds exciting to you, then you’re really going to dig this book, but if some kind of resolution is important to you — even if it’s only a tentative one, and one largely arrived at under your own steam — then this may be that metaphorical “bridge too far” that all your years of exposure to “avant-garde” art have been leading toward.

Like I said, I’m not totally sure where I stand with it for my own damn self yet — but I’m in no way ready to walk away from this work and call it a day, either. I keep feeling like that major revelatory moment is just around the corner — and even if it turns out that it’s not, the search for it feels worth the effort. In that respect, then, Hetamoe has created one of the most genuinely immersive comics I’ve ever come across. And isn’t that preferable to merely being “good” or “bad,” anyway?”

“Além da notável originalidade da junção de dois registos – um científico e outro artístico, neste caso a história da ciência casa-se com a “nona arte”, que costumam andar apartados, - a obra é também original pela sua rara qualidade. O ensaio, que foi pensado tendo em conta leitores desconhecedores da matéria, sendo claro, é absolutamente rigoroso, indicando as fontes para os factos relatados (não tem notas de rodapé, mas sete páginas de notas finais). Na banda desenhada, delimitada pelos registos epistolares ou diarísticos, a imaginação já voa, mas o registo não deixa de ser rigoroso: vê-se que a artista se procurou documentar sobre os cenários que descreve visualmente, tendo consultado o material fotográfico disponível. Fugindo ao realismo, faz-nos entrar na atmosfera da época.

O volume é original pela qualidade da produção. A Chili com Carne, beneficiando dos patrocínios recebidos, esmerou-se. Não é só a capa, mas todo o miolo que atrai a vista e o tacto. O papel é bom, assim como o design geral e a impressão. Eu já tinha alguns dos livros da colecção de viagens “Low Cccost”, assim mesmo com C triplo, da Chili com Carne [...]. O formato de obra em apreço é especial, maior do que as outras, o que valoriza sobremaneira as ilustrações. Não me admirou nada que tivesse atribuído o Prémio de Melhor Publicação Nacional com Distribuição Comercial, uma das categorias dos Prémios Banda Desenhada 2019, atribuídos pelo site português “Bandas Desenhadas”. Bem merecido, mas a obra merece decerto uma distinção internacional. Bons olhos a vejam…

Em resumo. Se o leitor não tiver este livro não saberá o que perde. Mas eu sei: perde conhecimento precioso do que é para muitos o evento mais notável da história da ciência no século e perde também uma obra de arte da BD nacional.”

“A historiadora de ciência Ana Simões e a artista visual Ana Matilde Sousa juntaram-se num livro de banda desenhada que assinala um marco histórico da ciência do século XX. Nele, o físico Einstein, o astrónomo Eddington e o eclipse solar de 1919 observado na ilha do Príncipe encontraram-se todos.”

“Livro desafiador que estende as condições de produção e o modo como a banda desenhada dialoga com o mundo, bem para além do veículo de ficção de género ou de narrativas dominadas a que a maioria das suas prestações nos habituou, Einstein, Eddington e o Eclipse poderá vir a tornar-se um exemplo maior da verdadeira inter- e transdisciplinaridade.”

“O Prémio de Melhor Publicação Nacional com Distribuição Comercial foi atribuído à campeã de outono de 2019, Einstein, Eddington e o Eclipse: Impressões de Viagem, da autoria de Ana Simões e Ana Matilde Sousa (aka Hetamoé), editada pela Chili Com Carne. Se o argumento e ilustrações de outras obras se distinguiram nas categorias respetivas, o conjunto do trabalho desenvolvido nesta obra é, sem qualquer dúvida, maior do que a simples enumeração dos elementos deste. Não só se trata de uma importante documentação histórica das expedições científicas a propósito do eclipse solar de 1919, como a BD revela um domínio absoluto quer na construção do argumento quer no planeamento e execução gráfica, apresentando ao leitor uma relato cativante com arte deslumbrante. De igual importância é que a constante experimentação gráfica, com utilização frequente de recursos fotográficos, não dificulta a leitura ao leitor pouco conhecedor dos signos de banda desenhada, cumprindo o propósito de cativar um público abrangente. É um vero exemplo!”

“É uma antologia de banda desenhada, feita de narrativas pessoais e ficcionais sobre a dor, escrita e desenhada a 24 mãos — todas de mulheres. Nódoa Negra chega agora às bancas pela mão da Chili Com Carne.”

“I recently ordered a slew of comics from Ediciones Valientes, a Valencia-based Spanish publisher known best in the US for publishing the work of Martín López Lam. I’m not certain what the structure of Ediciones Valientes looks like – it’s possible that López Lam is also the publisher. Regardless, Ediciones Valientes puts out a wide swath of work, including a new 32-page minicomic from Portuguese cartoonist Hetamoé. Spookytongue is the sixth comic in the Anti Sol line from Ediciones Valientes, and was published in collaboration with Portuguese zine label Clube do Inferno.

Spookytongue opens with a text-heavy dialogue page, like the opening of an 80s anime or a Star Wars film; Hetamoé explains that an uncommon inflammatory mucosal disease, geographic tongue, is a window by which past and future worlds can be seen, and that in 2525, artificial humanoids are being developed in order to wage quantum war. The trick is that this introduction explains little if nothing of the comic that follows.

Spookytongue is split in two distinct halves – the first is a more traditionally western layout, and the second is influenced by the Japanese comic strip 4-koma style. Throughout, Hetamoé’s work takes on a futuristic sociopolitical bent, half cyberpunk and half philosophical musing. I’m reminded of the work of famous mangaka Masamune Shirow as much as I am the work of Finnish cartoonist Ville Kallio, although in both cases Hetamoé’s work is much more abstract about the future it envisions. These comparisons seem apt because like Kallio’s work, Hetamoé’s work is influenced by Japanese art, especially creators like Shirow.

There are some thematic elements to the book that are hard to grok– the unicorn is a frequently appearing visual motif that I had a hard time placing. The book is printed in two colors, a vivid blue and a lime green/fluorescent yellow. The color choice exaggerates and emphasizes the retro-futuristic feel of the book. The language of Spookytongue is flowery and opaque; Hetamoé manages to capture the background noise of cyberpunk with seemingly unlinked ideas and observations of the world and our universe. If anything, Spookytongue, with its unique formal constraints, seems like a window into a future world passing you by. As the reader, you will catch snippets of a whole conversation without piecing together its meaning. Spookytongue is moving too fast, or more likely, you’re moving too slow.”

“Some of these stories, like Luis Yang’s “Tabako,” certainly do play off these more familiar elements, but others, like “Trance Dream Techno” by Portuguese cartoonist Hetamoé, more immediately recall the distended and twisted figures and slurry of screeching colors adorning Grimes’ album Art Angels. It is difficult to deny the vast chasm separating Hetamoé’s swirl of lines—striking images and text that seem to flash like a neon sign in the dark—and something like GG’s “Lapse.” The latter’s lines are crisp and clean, their use of color limited, striking, and deeply affecting. The differences are so great that comparing them is like trying to compare primal rage therapy to meditation.”

“While many of the comics in š! #25 take partial account of the anthology’s A6 sizing by keeping their pages uncluttered with dense panelling, it’s in Hetamoé’s ‘Trance Dream Techno’ that the A6 format is most explicitly catered for. Hetamoé acknowledges the pocket-book sizing by utilising a single image per page, framing them with accompanying text and associated emoticons. The images depict fragments of a form of voyeurism, one where the image is attempted to be used as a mode of escape for the viewer but where the image itself resists these attempts (an archetypal anime schoolgirl character berates the viewer for wanting to enter her world). Despite its sparse use of imagery ‘Trance Dream Techno’ is dense with a language of association that operates across it at multiple levels of communication. The narrative text supplies the high-level context for the sequence of images while the accompanying emoticons, with their exaggerated expressiveness tending towards levity (at least how I read them), imply a duality of thought in the text suggesting that the narrator is unconvinced that their statements represent the whole truth of their feelings. The imagery, structured by the narrative text, also operates in sequence with its own logic of association: shots flicker between a doomed aeroplane and a scratchily rendered figure mirroring the plane’s descent, a dress and it’s bloodied aftermath, a girl in uniform and her in her panties, an eye/eyebrow and a samurai sword/scabbard - the brain focusses on these links to find meaning in the connections and it’s in this experience that I found Hetamoé’s work most rewarding. While most of ‘Trance Dream Techno’ is slathered in lurid colours, there is a single image rendered in grayscale that feels lifeless in comparison to the vibrant remainder. This image recalls the panty shot from earlier in the comic but represents it as an image on a computer screen, the reframing serving to divorce it from the realm of associations that had previously been formed and return it to the status of mere object. The sudden removal of the animating force behind the image, and the depressing weight that accompanies it, serves as a poignant reminder of the complex interplay between authorial intent and the expansive act of subjective interpretation, and association, that supports the maintenance of an image’s vitality.”

“Still more obfuscated than “Picnic, Priest, And Plumber,” is “g” by the Portuguese cartoonist Hetamoé. Her story is a kaleidoscopic array of colors that blur into one another. Text is rendered in colors that clash with the art and blend into it, making it a laborious task to decipher. It’s something that needs to be deciphered to be fully understood, but it doesn’t require understanding to be enjoyed. It’s Hetamoé playing face-melting noise comics licks, and she draws more to approximate an emotion, or a sensation, than a story. It’s a shock to the system, and it stands out from more overtly narrative pieces.”

““Obscure Alternatives”, de Hetamoé, permite a autora regressar ao seu emprego de várias estratégias consabidas de alguma mangá, ainda que com algum ruído gráfico devedor das experiências dos “art comics”. Se um leitor se abandonar a olhar para as imagens, poderá acreditar estar a ver um simples diálogo, delicodoce, ou blasé, entre elfos de uma qualquer história de high fantasy, com alguns elementos modernos. Mas o texto, uma voz narradora e um diálogo pejado de tons emocionais carregados (cuja falta de diferenciação material faz confundir, tecendo metalepses), cria uma espécie de neblina poética que arranca essas imagens a uma experiência demasiado concreta. A malha intertextual (com referências a Marx, rituais satânicos, aspectos mais ou menos obscuros de certas culturas populares japonesas) é densa, o que obriga a uma série decifração das consequências da frição, precisamente, dos (aparente) diferentes mundos que aí concorrem. No fundo, quase que pode ser interpretado como sendo uma versão da peça de bunraku Os amantes suicidas de Amijima sob o signo da famosa frase do Manifesto Comunista, que Berman usou como título do seu famoso livro sobre a modernidade, indubitavelmente aqui presente: “Tudo o que é sólido se dissolve no ar”.”

“Se nos é permitido dizer tal coisa, mesmo incorrendo numa argumentação algo incompleta, e até mesmo roçando a injustiça, pensamos que é esta autora que, no interior deste colectivo mais tem mostrado uma acelerada “maturação” dos seus processos de trabalho, quer a nível visual quer a nível discursivo (já que “narrativo” não seria exacto). Continuando na sua perseguição de dimensões e afinidades tipificadas por uma determinada banda desenhada japonesa, a autora escapa daquela gravidade que levaria a uma mera descrição de “mangá à portuguesa”, uma vez que as referências para essa aproximação seriam as de autores post-Garo tais como Oji Suzuki e Seiichi Hayashi. Isto é, estruturas narrativas em que o onirismo, a melancolia e a poeticidade menos explorada está patente de forma decisiva, desviando a banda desenhada para territórios menos comuns, mas que autores contemporâneos como Aidan Koch, Balise Larmee e Lala Albert também cultivam. Esta colecção de 17 tiras verticais atravessa toda a espécie de combinações possíveis, de tiras quase “silenciosas” - com excepção dos textos diegéticos – a outras com diálogos, passando por acções concentradas e densas a estruturas mais espalhadas no tempo e agentes, até mesmo categorizações de objectos similares, mas que nesse breve arrolar, consegue fazer excarcerar um qualquer significado inesperado e produtivo. Como uma poesia feita dos mais simples elementos textuais, obrigando o leitor a criar associações. E se há uma narrativa geral mais ou menos coesa (as dores provocadas pelo amor), essas sensações redimem aquilo que poderia ser visto como um quase gratuito exercício weeaboo. Não o é. ”

“Parece estarmos a mantermo-nos num campo onde o grotesco, o violento e o erótico andam de mãos dadas. Mas no caso do trabalho desta autora portuguesa, há, a um só tempo, uma mais forte componente cerebral e um abandono à liberdade dos materiais com que constrói os seus textos. Na verdade, suspeitamos que a leitura desta publicação não possa ser feita de modo totalmente autónomo do seu pequeno encarte, um ensaio intitulado Yangire/Yandere. Este é um excelente artigo académico que utiliza instrumentos dos estudos culturais, feminismo e outras disciplinas para falar sobre estas duas palavras-chave que, de modo sucinto, se referem a figuras tipificadas de alguma banda desenhada japonesa, de personagens femininas muito jovens e de ar cândido mas que escondem uma personalidade “dupla” de violência extrema. Existem diferenças subtis, que a autora explora, mas o mais importante é a maneira como ela as sublinha para demonstrar que servem ainda uma imagem heteronormativa da representação das mulheres – para já como mais “emocionais” e mais disruptivas na sua violência. Muji Life é como que uma “ilustração” igualmente ensaística dessas considerações, utilizando algumas das ideias e objectos discutidos para criar uma história fragmentada em torno dessas ideias: uma obsessão amorosa que tem como corolário actos da mais intrépida das violências. É muito estimulante ver que os autores afectos ao Clube do Inferno (tal como André Pereira, ver adiante) têm contribuído de uma maneira muito particular com obras que não apenas trazem novas e inventivas propostas em termos de temas, estilos e abordagens narrativas nos seus trabalhos, mas igualmente propõem formas novas de pensá-la em termos formais e comunicativos.”

“Finalmente, Hetamoé (que também toma conta da capa) parece ser a autora que mais tira partido do enorme formato das páginas A3 para “espalhar” – quase sem estrutura, mas ela está lá – as suas vinhetas, misturando legendas e elementos “decorativos” (que bebem de toda uma complexa cultura da mangá shouju) no que parecem ser momentos fora do tempo. Os seus temas de sempre, a solidão que resulta de desencontros amorosos, uma certa desilusão na expressão pessoal, o desejo e a forma como ele constitui o próprio sujeito, etc. são as matérias moldadas, criando uma história feita mais de impressões fantasmáticas e holísticas do que a organização de acontecimentos e uma personalidade “clara”.”

“Os quatro elementos do Clube do Inferno vão ser coroados como os reis da produtividade! Ah, não há monarquia... vai ser mesmo os porras do Coelho ou do Cavaco a darem uma medalha de empreendorismo ao André Pereira, Astromanta, Hetamoé e Mao por fazerem estes belos “chapbooks” que produzem de Morta em Morta.... Yonkoma Collection Vol.1 de Hetamoé é o melhor do grupo, espécie de poesia haiku-gráfica e sessão de photomaton-narrativo - que lembra as possibilidades de Das Haus de Anke Feuchtenberger. Apanhei uma edição impressa a azul que faz babar com este Manga degenerado.”

“Chamava-se “Solideriedade Fanzinista” e reuniu algumas produções alternativas como os da malta do Clube do Inferno que aproveitaram para lançar novos títulos Mori de Hetamoe e Freak Scene #1 de André Pereira. O primeiro é uma BD a cores desta autora que duvido justamente à cor chamou-me à atenção. Ela já tinha feito alguns outros dois zines mas que admito que tinham um ar demasiado “nerd” mangaka que não me entrava. Mori mostra ninfetas e símbolos perdidos num texto “teeny boopy” que não me afectando acho sinceramente bonito num sentido formal e estético - a lembrar o aspecto degradado de Mutant Hanako de Makoto Aida.”